CQFD
ce forum est desormais fermé
toute nouvelle inscription est impossible

je ne peux plus m'en occuper, et n'en ai plus la motivation sous cette forme disons
de plus beaucoup trop de liens sont mort et beaucoup de son contenu est obsolète a mes yeux
ce serait donc trop long de rectifier tout ça
je donnerai quelques conseils de temps autres si on me demande, depuis mon tumblr http://mylydy.tumblr.com/
merci a tous les participants qui ont contribué a son contenu (toujours accessible neanmoins)
merci a tout les modos et admin qui m'ont aidé a le faire se developper autant, ce fut une tres belle aventure!

tchao!
mylydy



 
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 Character Design

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Chouf
Ariane
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MessageSujet: Re: Character Design   29/7/2012, 00:53

De nada :D!

Oui je trouve aussi ukj-jtyhgb et en lisant son blog on voit qu'il est vraiment passionné, c'est une ref je trouve d'ailleurs jviens de voir qu'il avait un thread dans "liens et vidéos" ^^

Par contre j'ai pas spécialement accroché à "california love" hfs

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julesR
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MessageSujet: Re: Character Design   29/7/2012, 09:21

Merci !! ^^
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noth
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MessageSujet: Re: Character Design   29/7/2012, 09:24

thks!!!!!!!

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Un peu de Thon un peu de Mayo
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dalinn
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MessageSujet: Re: Character Design   30/7/2012, 11:01

Merci pour la trad :)
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Cécilou
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MessageSujet: Re: Character Design   9/8/2012, 01:19

Bonjour à tous!
Voici une interview que j'ai trouvé particulièrement intéressante pour la manière assez méthodique (un peu trop?) dont Jason Sadler conçoit ses personnages. C'est plein de bons conseils en tout cas! A noter dans vos pense-bêtes!
Bonne lecture (et n'hésitez pas à me reprendre pour la trad, il y a peut être quelques maladresses ou erreurs qui se sont glissées ...) !

Voici le lien original : http://jason-sadler-interview.blogspot.fr/

Interview de Jason SADLER


Parlez-moi un peu de vous, de votre vie ? Où êtes-vous allé à l’école, dans quelles classes avez-vous étudié ? Qu’est-ce qui vous a aidé à vous préparer à devenir l’artiste que vous êtes aujourd’hui ?

Je suis né à Racine, Wisconsin. Pendant toute mon enfance j’étais obsédé par les dinosaures et je les dessinais. Il fallait que je voie chaque film ou émission avec des dinosaures. Mon père m’a emmené voir une projection du film original de King Kong de 1933 et ça a eu un profond effet sur moi. Maintenant, lorsque survient le sujet de « atmospheric perspective », la première chose qui me vient à l’esprit sont les plans de jungle profonde dans ce film. Star Wars est aussi sorti quand j’avais six ans et m’a frappé comme un train de marchandise (nd.trad. c’est une expression…). Durant mes années d’université, j’ai bossé le dessin de modèles vivants aussi dur que j’ai pu sur les conseils d’à peu près toutes les personnes avec qui j’ai pu discuter dans le secteur de l’animation. J’ai étudié le dessin industriel à l’Université du Wisconsin, la bière et l’animation au Sheridan College à Oakville, Ontario. Les cours de dessin industriel ont influencé la méthode et l’approche que j’utilisais pour mes travaux de conception de character design et le Sheridan College a été l’endroit où j’ai été confronté à de nombreux grands professeurs tels que Charlie Bonifacio, Zack Schwartz et Kai Pindal. Beaucoup de mes camarades de classes de Sheridan sont aussi devenus mes plus proches amis et je continue à les voir régulièrement puisque le secteur de l’animation est un petit groupe fermé.

Comment vous y prenez-vous pour le design, et qu’est-ce qui vous passe par la tête du début à la fin ?

Il y a tellement de manières différentes de s’y prendre. Ceci est seulement mon approche du processus de design :

Etape 1 :
En général, mon directeur me donne un « kick-off » dans lequel je trouve une description solide de l’apparence et des traits de caractère du personnage. Ensuite, je fais des recherches et je produis des tonnes de croquis pour capter la silhouette du personnage (avec des marqueurs noirs Sharpie à pointe fine et ultra fine).


Si je travaille aussi petit, c’est parce qu’à cette taille, la pointe de mon feutre est comme un gros pinceau bien large et je trouve cela plus facile de faire des mouvements assurés avec que si j’étais en train de dessiner à une taille plus importante. Cela me force également à me concentrer sur les formes les plus basiques du personnage. Dans la silhouette, je m’efforce de créer des formes distinctes grandes, moyennes et petites. Je souligne « distinctes » ici car je trouve que je peux très facilement me retrouver à faire des formes floues et qui varient peu dans leurs proportions. Je dois délibérément me rappeler d’accentuer les proportions et d’en obtenir un maximum de contraste et d’intérêt que je peux. Dessiner petit m’aide beaucoup à cela également. Cette phase est pour moi la plus critique de toutes car je prends des décisions sur les éléments les plus importants du design. Une fois seulement que j’ai dessiné tout ce que je pouvais à cette taille je passe à l’étape 2.

Etape 2 :
Le dessin est agrandi à 200% et décalqué sur une feuille de papier propre. A cette taille, j’utilise un crayon de papier, et je commence à dessiner les éléments secondaires (formes mois importantes et plus petites, détails intérieurs) que je ne pouvais pas représenter à l’étape 1. Une fois seulement que j’ai dessiné tout ce que je pouvais à cette taille, je passe à l’étape 3.

Etape 3 :
Le dessin est agrandi à 200% encore une fois. A ce stade, je peux maintenant me concentrer sur les détails fins restant, que je n’ai pas pu dessiner aux étapes 1 et 2. En travaillant de cette façon, je me force à me concentrer sur les éléments les plus importants en premier (les formes basiques et la silhouette du personnage).


Etape 4 :
Une fois que mon directeur décide que mes concepts sont prêts, je présente mes designs et croquis, en montrant mon mécanisme de pensée au directeur. Si c’est approuvé, je passe une journée ou deux à finaliser le design en créant des « orthographics » (nd.trad. : Y a-t-il une traduction en français ?). Même si cela parait fastidieux, j’adore préparer des orthographics. Beaucoup de décisions sur les formes du design sont prises à cette étape car je dois vraiment rendre le personnage aussi attrayant que possible de tous les angles, pas seulement de ¾ face. Le fait de réaliser des orthographics très précis facilite également la vie de votre modeleur ET vous assure que votre intention avec ce design a de meilleurs chances d’atteindre le produit final. Les choses sont bien moins ouvertes à l’interprétation.






C’est ma méthode. J’admets que c’est assez mécanique, mais j’ai découvert au fil des années que ça m’aide à atteindre un design solide plus rapidement que n’importe quelle autre méthode que j’ai essayé. L’une de mes principales faiblesses est que si je me l’autorise, j’ai de fortes chances de me concentrer sur les petits détails dès le début, c’est-à-dire mettre la charrue avant les bœufs. En commençant très petit je me force à dessiner les formes les plus importantes et les plus fondamentales en premier et je ne peux même pas être tenté de travailler sur les petits détails, car la pointe de mon feutre ne peut physiquement les dessiner. J’ai suivi un workshop avec Richard Williams il y a longtemps, et au sujet des croquis, je me rappelle qu’il a dit « c’est l’esprit qui compose à cette taille ». Je ne pouvais être plus d’accord. Il semble qu’il y a un attrait dans les formes des croquis que je ne peux reproduire à aucune autre taille.

Qu’est-ce qu’une journée typique pour vous, et qui sont les gens qui travaillent avec vous ?

Durant une journée classique, je passe 4 à 5 heures à ma table de dessin et environ une heure à présenter mes concepts à mon directeur artistique ou le directeur du film. Blue Sky permet à ses designers d’accompagner leurs design tout au long de la chaine de production, plutôt que de les « abandonner » une fois qu’ils ont été validés à l’issue de la phase de design. Je suis reconnaissant à l’entreprise de nous autoriser à faire cela, et c’est pourquoi je passe les 2 à 3 heures restantes de ma journée à rendre visite aux personnes des départements de modelage (modelling), sculpture (sculpting), animation (rigging ?), textures et matériaux (materials and fur ?) où sont construits les personnages.

Sur quels genres de choses avez-vous travaillé ?

Ma carrière professionnelle a démarré en 1994, en faisant de design et de l’animation pour le jeu logiciel « Mais où se cache Carmen Sandiego ? » de Bordebund. En 2000, j’ai rejoint l’équipe d’animation de Monto Media où j’ai conçu et dirigé « the award winning Heavy Metal Guy series ». J’étais designer et directeur du court métrage spécial de Happy Tree Friends « Protecting the slopes » et animateur sur de nombreux épisodes de la série. Depuis 2005, je conçois des personnages et des décors au département « développement visuel » des studios Blue Sky.

Parmi les long métrages sur lesquels j’ai travaillé, il y a Horton Hears a Who (la fille, Dr Mary Lou Larue, Morton la souris et beaucoup d’autres animaux de la jungle) et Rio (Linda, Tulio, les singes, les costumes de carnaval et beaucoups d’oiseaux secondaires). J’ai également travaillé sur divers jeux éducatifs pour Leapfrog Enterprises, contribué à l’illustration de l’organisme Totoro Forest Foundation et illustré une histoire pour la série des livress Random House’s Out of Picture qui a été exposé lors de l’exposition Society of Illustrators de 2009 à New York, et dans la Galerie Arludik, à Paris.

Y a-t-il un design dont vous êtes particulièrement satisfait ?

La fille du Maire dans Horton Hears a Who. Cette mission était vraiment drôle et aucun degré d’exagération n’était trop ridicule.

Sur quel projet êtes-vous en train de travailler maintenant ? (si vous pouvez nous le dire)

Je suis actuellement en train de concevoir des personnages pour des projets en développement à Blue Sky Studios.

Quels sont vos artistes préférés là-bas ?

Nico Marlet, Sergio Pablos, Robin Joseph, Kevin Dart, Chris Sasaki, Scott C. et Guillermo Real.

Pouvez-vous nous parler de votre méthode pour colorer vos illustrations, et des types d’outils ou supports que vous utilisez ?

Je travaille mes dessins avec des crayons à papier sur du papier, puis je les scanne et je finalise les choses sous Photoshop. En ce qui concerne mon approche de la coloration des dessins, je ne pense pas avoir d’incroyables et révolutionnaires méthodes qui méritent d’être abordées.

Quelle partie du design est la plus sympa et facile, et quelle est la plus difficile ?

La partie la plus agréable pour moi est l’esquisse des études de silhouettes au tout début et aussi le travail minutieux des détails dans les orthografics à la fin.

La partie la plus difficile pour moi est de maintenir l’aspect esthétique du personnage lorsqu’il est modélisé en 3D. A ce stade, le design ne peut être évalué que dans cette pose standard très neutre dans laquelle doit être le personnage. Cela peut devenir un vrai challenge, parfois, d’être capable d’outrepasser cette pause sans expression et sans vie pour donner au modeleur des directives claires.

Quel genre de choses faites-vous pour rester créatif ?

J’adore regarder ce que les autres personne du domaine ont en projet, et j’ai toujours un film ou une illustration personnel en chantier auxquels me consacrer en dehors du boulot. Bien que je prends beaucoup de temps à les terminer, mes projets personnels sont ce qui maintient mon « réservoir d’inspiration » rempli.

Quels sont vos designs préférés parmi ceux que vous avez pu voir ?

Shere Khan et Madame Mime de Milt Kahl, les designs de Tom Oreb pour Toot, Whistle, Plunk et Boom et à peu près tout ce qu’ont fait Maurice Noble et Ronald Searle.

Quel sujet préférez-vous dessiner ? et pourquoi ?

Les personnages féminins … et les dinosaures. Rien pour moi n’est plus esthétique que des formes féminines … et des dinosaures. Peut être devrais-je seulement dire les dinosaures femelles … ok, peut-être pas.

Qu’est-ce qui vous a motivé à devenir artiste ?

- Les animations de Disney et Warner Brothers en général
- Les illustrations de mes premiers livres sur les dinosaures
- La production Rankin / Bass de The Hobbit
- Les illustrations de Star Wars, les livres L’empire contre-attaque et Le retour du Jedi. Ils étaient plein à craquer de design industriels représentant les personnages, les vaisseaux, et supports pour les films. La qualité de ces designs m’a motivé à étudier ce qui les rendait si attrayants. Ces livres et films ont représenté pour moi des sources d’inspiration et des exemples de solides compositions, proportions et perspectives avant même que je comprenne le sens de ces mots.

Quels sont les conseils que vous avez appris d’autres artistes avec lesquels vous avez travaillé ou que vous avez rencontrés ?

J’ai été assez chanceux d’écouter Maurice Noble à Oakland environ un an avant sa mort. Voici deux de ses citations que j’ai notées :
« Quand vous dessinez, prenez les formes et essayez d’obtenir le maximum d’humour satirique que vous pouvez en tirer. »
« Donnez à chaque élément de votre design, jusqu’au plus infime détail, une sorte de beauté. »

Una ami m’a aussi demandé récemment d’écrire mes principes de design préférés dans son carnet de croquis. Voici ce que j’ai écrit. C’est un amalgame d’outils et de conseils que j’ai reçus au fils des ans de la part de personnes que j’admire et cela m’a beaucoup guidé durant ces journées à esquisser lorsque je ne parvenais pas à faire un dessin correct.



Mes 6 principes de design préférés
1) Travailler petit, c’est l’esprit qui compose à cette taille.
2) Dessiner avec l’épaule.
3) Utiliser des crayons larges et des formes petites
4) Les choix de proportion interviennent partout. Faites ces choix de façon délibérée. (ennuyant / Intéressant)
5) Opposez les droites aux courbes.
6) Dessinez tout d’un coup, en même temps.

Quelle sagesse pourriez-vous nous transmettre, à propos de la vie d’un artiste ? Avez-vous des « trucs » à nous donner ?

1) Remplissez des carnets de croquis. Vous améliorerez votre technique de dessin tout au long de votre carrière. C’est un voyage sans fin. Capter les choses « sur le vif » avec votre carnet de croquis est une très bonne habitude.

2) « Chose promise, chose due ». Faites-le et efforcez-vous autant que vous le pouvez de ne jamais faire le contraire. Ce sera la différence entre être un atout fiable ou bien un simple menteur. Je pense que ce principe peut s’appliquer dans n’importe quel métier pour lequel vous avez à remettre un produit dans des délais fixés.

3) Quand votre travail est rejeté, c’est douloureux, mais faites de votre mieux surpasser cela et acceptez toute critique constructive avec une certaine ouverture d’esprit. Et soyez persévérant. La qualité de votre travail est un ingrédient prépondérant, mais ce n’est pas le seul. Le temps joue également un rôle important.

4) Entourez-vous de personnes meilleures que vous. Vous allez apprendre et grandir plus rapidement. Je suis entouré de géants à Blue Sky et ils sont extrêmement généreux avec leurs connaissances et leur temps.

Si quelqu’un veut vous contacter, comment souhaitez-vous être contacté ?

Mon site web est : www.sadlerish.com
Et je suis joignable à l’adresse suivante : jason@sadlerish.com

Enfin, avez-vous des illustrations à vendre (carnets de croquis, impressions, ou autre) pour que les gens qui aiment votre travail puissent savoir où et quand les acheter ?

Out of Picture 2 avec mon histoire illustrée « Slub Plotter » est disponible sur Amazon et j’ai contribué pour quelques œuvres à l’exposition Nucleus (www.gallerynucleus.com) de temps en temps.

Quelques oeuvres de sa gallerie







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MessageSujet: Re: Character Design   9/8/2012, 10:28

merci pour cet article absolument indispensable qui complete voire se superpose tres bien au tuto design que j'ai fait dans le thread du meme nom :)

donc a lire absolument pour les gens qui veulent faire l'UV chara design!
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MessageSujet: Re: Character Design   9/8/2012, 17:06

Merci :) top

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MessageSujet: Lorelay Bove   28/8/2012, 18:28

Lorelay Bove


Son interview

Parle-moi de toi, de ta vie :
J’ai grandi au Nord de l’Espagne, à une heure et demie de Barcelone. J’ai grandi en regardant des cartoons de toutes les sortes, et également de vieux films classiques hollywoodiens. Depuis petite j’ai dessiné et peint auprès de mon père, qui est un artiste. Il y avait donc beaucoup supports et de matériel artistique. Mes parents sont plutot « aventuriers » et se sont des artistes alors après mes 14 ans, nous avons déménagé aux USA avec mon frère, ma sœur et mes parents ; pour une vie meilleure.

Où es-tu allée à l’école et quels cours as-tu suivi ?
Je suis d’abord allée à Lagula College of Art and Design pendant deux ans, et ensuite j’ai pris une année sabatique pour réaliser mon portfolio et entrer à CAL ARTS. J’ai suivi des cours de modèle vivant et ensuite je suis allée aux plages de Laguna pour dessiner des gens. Ensuite j’ai été prise à Cal Arts et j’y ai passé quatre ans, quatre années merveilleuses. J’ai appris beaucoup là-bas en faisant des films chaque année. L’expérience que j’ai eu dans cette école a été incroyable, c’est un très bon environnement et tu es entourré de gens qui ont la même passion et les mêmes rêves que toi.

Qu’est-ce qui t’a aidé à devenir l’artiste que tu es aujourd’hui ?
Cal Arts, et les excellents professeurs que j’ai eu là-bas. Et simplement le fait de travailler dur en étant là… Je voulais en retirer le maximum et je pense que la 3e et la 4e année dans cette école furent les plus productives et inspirantes de toutes.

Comment t'y prends-tu pour faire le design d'un personnage ? Qu'est-ce qui te passe par la tête du début à la fin?
Je pense que la recherche est très importante. Alors, la première chose que je fais c’est aller sur google et chercher. Ensuite je fais des croquis d’après les références trouvées, et je les garde auprès de moi pour pouvoir y jeter un œil par la suite quand je travaille.
En général, je commence en faisant des miniatures pour mes design, ça me permet de voir les formes générales plus rapidement et je peux obtenir plus de variété et de design différents. Je fais la même chose quand je peints : plus je peints petit, plus c’est facile pour moi d’organiser les formes et d’obtenir le design général.
J’essaye d’utiliser autant de formes différentes que je peux pour avoir de la variété. J’aime aussi créer un personnage et le mettre dans un environnement.

Quelle est ta journée type ?
À Cal Arts j’avais un calendrier différent, mais à présent… Je me réveille et je fais mon jogging (parce que ça me booste dans mes différentes réflexions et cela m’aide pour tenir durant la journée), ensuite je fais du covoiturage avec des collègues pour me rendre au boulot au studio d’animation Disney. Je suis une apprentie à Disney en Développement Visuel. Nous avons de nombreux projets sur lesquels nous travaillons, c’est vraiment sympa. Je divise la journée de travail en deux sur les différents films. Je travaille autant les personnages que les décors et le « color key » c’est vraiment super et ça me rend heureuse de travailler sur des choses que j’aime faire.
Je travaille sur le design toute la journée puis j’essaye de mixer tout ça pour que ce soit amusant. J’utilise l’ordinateur, ensuite je fais aussi des croquis, de la peinture…
Après quoi je rentre à la maison, je fais le diner et des cookies ! Puis je peints et je dessine sur mes propres projets, en ce moment je travaille sur un livre de cuisine. Et en janvier j’illusterai un livre de Toy Story pour les éditeurs disney.

Y a-t-il un personnage de votre création dont vous êtes particulièrement fière ?
Peut-être quelques peintures que j’ai réalisé de personnages féminins et qui ont été vendues ensuite.

Sur quels projets avez-vous travaillé dans le passé, et sur quoi travaillez-vous en ce moment ?
J’ai fais du Design pour Pin company, Hard rock cadé et Hooters, et les pins ont été créés, et mes parents en ont acheté quelques-uns !
J’ai également rejoint Pixar l’été dernier et j’ai travaillé sur Hansel et Gretel, ça a été un vrai choc ! J’ai adoré travailler là et ce fut une expérience extra, j’ai appris beaucoup.
En ce moment je travaille sur La princesse et la grenouille, je fais du design de costumes et un peu de tout. Et je serai aidée par mon mentor Ian Goodrich pour travailler sur le color script.
Je fais aussi du design pour deux autres projets ici à Disney, et j’illustrerai le livre Toy Story en janvier comme je vous l’ai déjà dit.

Qui pensez-vous êtres les artistes au top en ce moment ?
Il y a tant d’artistes au top ici, mais quelques un de mes favoris sont les suivants : Nicolas Marlet, Joe Moshier, Tadahiro, Carter Goodrich, Lou Romano… et beaucoup d’autres.

Pourriez-vous parler de votre processus de colorisation ? Et aussi des outils que vous utilisez pour travailler ?
J’aime utiliser la gouache, j’utilise les couleurs basiques, j’aime mixer mes palettes et j’aime être spontanée quand j’utilise les couleurs. J’aime sentir la couleur mais également l’analyser pendant que je la travaille. Et comme je le disais plus haut, j’aime peindre petit pour trouver les formes basiques. Je commence à utiliser l’ordinateur, le plus souvent comme un outil, mais je pense quand même que la gouache est beaucoup plus vivante.

Que faites-vous pour pouvoir rester créative ?
Je regarde des grands classiques d’hollywood musicaux car ils m’inspirent beaucoup. Et j’aime voyager et découvrir de nouveaux endroits.

Quels designs t’ont particulièrement plu dans tout ce que tu as pu voir ?
Quand je suis allées aux ARL (la librairie de recherche Disney) et que j’ai vu les design originaux de Eyvind Earl et Mary Blair pour Once upon a wintertime ! C’était magnifique !

Quel est votre sujet favoris à dessiner et pourquoi ?
J’aime les enfants, parce que vous pouvez faire de bonnes proportions et ensuite vous pouvez comparer avec d’autres proportions ou des personnages plus large (j’ai rien compris pardon, la phrase c’était ça, si quelqu’un comprend: I like little kids, because you can get good proportions and then you can compare them with other props or larger characters.) et en plus tout le monde peut s’identifier à des enfants.

Qui vous a inspiré pour devenir une artiste ?
Mon père et les films Disney.

Qu’avez-vous appris des artistes avec qui vous avez travaillé ?
J’ai beaucoup appris sur la couleur, et puis sur tout de façon générale.

Quels sont vos site préférés ?
Je regarde beaucoup les blogs d’autres artistes, c’est très inspirant !

Quel conseil pourriez-vous nous donner, sur le fait d’être un artiste ?
Travaillez dur et essayez de nombreuses choses différentes (des médias différents), et expérimenter des choses afin de pouvoir toujours prendre du plaisir dans votre travail. Ça devrait rester amusant et c’est dans ces cas-là que votre travail sera le plus réussi !

Les gens peuvent vous contacter ?
lorelaybove@yahoo.com
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Pour finir, avez vous des travaux à vendre (livre, sketchbook, affiches ou autre) pour les gens qui aiment votre travail et qui aimeraient savoir où acheter ?
Je vends mon travail personnel, n’importe quand.


Son travail sur Hansel et Gretel :

Spoiler:
 

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MessageSujet: Re: Character Design   28/8/2012, 18:36

wow excellent!! merci bcp pour la trad :D
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MessageSujet: Re: Character Design   28/8/2012, 19:35

Merci pour la trad' ! TRES cool son taf :)
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MessageSujet: Re: Character Design   3/9/2012, 14:17

Merci pour cette trad !!

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MessageSujet: Re: Character Design   3/9/2012, 17:04

Ha j'avais pas vu, Merci !
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MessageSujet: Re: Character Design   30/9/2012, 20:49

Parce que c'est toujours intéressant de découvrir le travail et le parcours d'un artiste, surtout quand on n'a pas souvent l'occasion de discuter avec eux voici :

Interview de Carolina Cuenca

Parlez moi un peu de vous, de votre vie ? Où êtes-vous allée à l’école, quelles études avez-vous suivies ? Qu’est-ce qui vous a aidé à vous préparer à devenir l’artiste que vous êtes aujourd’hui ?

Je suis née à Madrid (Espagne). Mes penchants artistiques étaient déjà présente lorsque j’étais à l’école primaire, mais c’est au lycée que j’ai commencé à me concentrer sur le dessin. Abandonner mes crayons derrière moi et mettre les mains sur de vrais outils, ce fut un nouveau monde qui s’ouvrit à moi !
Les comics de mon frères sont rapidement tombés entre mes mains. Je me rappelle que les Quatre Fantastiques de John Buscema et Tarzan de Russ Manning ont eu beaucoup d’impact sur moi.
Naturellement, il fallait que je continue mes devoirs, mais je n’ai jamais perdu ma motivation, et au lycée j’ai commencé à dessiner sérieusement. A ce moment je voulais devenir dessinatrice de comics, et cherchais tout le temps que je pouvais pour réaliser mes propres comics trips.
Il y avait un artiste en particulier qui fut comme un professeur pour moi, puisque je m’appuyais sur ses comics pour apprendre tout ce que pouvais concernant le dessin. C’était Alan Davis, l’un des meilleurs.
Je ne suis pas allée à l’université, et c’était difficile de trouver une alternative pour étudier les Beaux Arts à cette époque. J’ai suivi de nombreux cours, workshops, essayant d’appliquer les techniques sur mes dessins, mais ce n’étais pas suffisant, et j’ai fini par apprendre plutôt par moi-même.
Mes tentatives pour m’introduire dans le monde des comics ne furent pas fructueuses. Finalement, je suis passée de l’étude à l’école de peinture d’un bon ami au monde de l’animation presque par accident. J’ai commencé en tant qu’assistante de Layout et travaillé dans plusieurs poste de pré-production 2D et 3D de films et de séries d’animation. Douze ans de ma carrière centrées sur deux domaines : le Storyboard et le Character Design.

Comment procédez vous pour designer, et qu’est-ce qui vous vient à l’esprit, du début à la fin ?

D’abord, je prends le temps de lire le script. Je prends des notes, et je les ajoute à celles du directeur. C’est une part essentielle du travail pour moi, comprendre la personnalité des personnages, et le type d’histoire dans laquelle ils s’inscrivent.
Parfois vous n’avez pas ces descriptions, simplement quelques brèves notions qui vous donnent une idée de comment commencer, mais alors votre travail se complique forcément.
Parfois vous êtes laissé à l’aveuglette ou progressez à l’aide de rien. Au final, vous avancez malgré cela et terminez votre contribution après un dur travail, de récurrents brainstormings et essais et erreurs. Ces situations peuvent également vous rentre plus fort et plus créatif en tant qu’artiste. Vous élargissez votre champ d’action, atteignez de nouvelles idées, et finalement les personnages commencent à émerger.
En général, je suis entourée d’art book et de media numériques qui m’aident à situer le personnage. Chercher toutes les ressources disponibles sur internet est aussi un bon moyen pour trouver de l’inspiration.
Il y a certainement un aspect du Character Design que je considère comme le plus important et également le plus difficile, et c’est l’impact visuel d’un point de vue psychologique. Non seulement vous devez satisfaire le Directeur, mais vous devez aussi atteindre le public, que ce soient des enfants ou des adultes. Formes, ombres, personnage et couleurs. Rester très basique au début, et traiter ces différents éléments vous permet de zoomer sur les détails à la fin.
Ca peut paraitre bien et simple, mais c’est très difficile à appliquer dans votre travail quotidien. Parfois je peux être rattrapée par les détails alors que je commence tout juste à dessiner, juste parce qu’une idée m’en venue à l’esprit à ce moment, mais alors je dois abandonner mon dessin et en recommencer un.
Vous pouvez utiliser n’importe quel système qui vous plait pour vos prpres designs, mais la routine du travail que vous choisissez va en général avoir un effet sur votre vie personnelle, ce qui n’est pas forcément une mauvaise chose.

Qu’est-ce qu’une journée typique pour vous, et quelles sont les personnes avec qui vous travaillez ?

Pour moi, une journée normale consiste à réalisez autant de croquis que je peux. Je commence par parcourir les notes que j’ai sur les personnages, où ils sont situés et avec qui ils sont en interaction. De là, je fais des esquisses, souvent de simples silhouettes. Si la production a déjà terminé certains personnages, je les mets côte à côte pour comparer leurs formes et tailles pour être sûre qu’ils vont bien ensemble.
Sur le plan social, parfois je me balade pour discuter avec des collègues. Tout le monde a besoin de temps pour se relaxer, partager une blague et éclaircir ses idées. C’est aussi un moment important de montrer votre travail et obtenir l’opinion de vos pairs. Si vous êtes bloqué par une idée, une perspective différente peut être ce dont vous avez besoin.
Mes collègues proviennent de situations très différentes, certains n’ont rien à voir avec l’animation, mais ont partagé les mêmes expériences. Cela aide beaucoup, car vous gagnez en expérience non seulement en travaillant, mais aussi en apprenant des personnes autour de vous.

Sur quelles sortes de projets avez-vous travaillé ? (Livres, films, jeux, comics)

J’ai commencé par faire des illustrations pour des brochures. Je voulais illustrer des comics, mais le plus proche que j’ai pu faire c’est de faire des artwork s pour des livres sur eux.
Après ça, j’ai changé pour la pré-production de séries TV puis pour des films, d’abord en 2D et puis en 3D.

Y a-til un design dont vous êtes particulièrement satisfaite?

En fait, oui. J’ai travaillé sur quelque chose il y a un certain nombre d’années à partir d’idées qui provenaient de mon frère. Si j’en arrive à bout, j’aimerais le finir correctement, mais je ne pense pas que je le publierai un jour.
Parmi tous les autres travaux que j’ai effectués, ce serait difficile de choisir l’un d’eux et pas un autre. Chaque dessin a sa propre histoie, sans compter tous ceux quine verront jamais le jour car le projet est tombé à l’eau.

Sur quel projet êtes-vous en train de travailler ? (si vous pouvez nous le dire)

En ce moment, je travaille en tant que Visual Development Artist chez Kandor Graphics à Granada, Espagne, dans le département Upcoming Projects.

Quels sont vos artistes préférés ?

Wow, il y en a un certain nombre ! J’en ai déjà mentionné un, un artiste de comics Anglais nommé Alan Davis, et j’aime également Iain McCaig, Claire Wendling, Armand Serrano, Marcos Mateu, Chris Sanders, Andrew Shek, David Colman, José Manuel Fernández Oli. Je suis une grande fan de nombreux artistes !

Pourriez-vous parler de votre méthode pour colorer vos dessins, aussi bien que le type d’outils que vous utilisez ?

Je suis toujours en train d’apprendre de nouvelles choses concernant la couleur, car ça n’a jamais été l’un de mes points forts, malheureusement. D’habitude, je commence avec le crayon à papier, ou bien à mail levée avec la Wacom et Photoshop. Au début, je persistais à utiliser l’aquarelle ou l’aérographe, mais depuis que j’ai découvert le numérique, je n’y suis plus retournée.

Quelle part du design est la plus sympa et facile, et qu’est-ce qui est le plus difficile ?

Le plus sympa : faire des esquisses ! Remplir les pages avec des choses folles ! J’aime aussi beaucoup le travail de cleaning, quand je suis complètement dans la phase de design. Le moins fun : la couleur. C’est encore la partie la plus difficile du processus pour moi. Commencer avec tout ce blanc c’est terrible !

Quel genre de choses faites-vous pour rester créative ?

Je feuillette tous les art books que j’achète (constamment, LOL). Lorsque je suis un peu en panne d’idées, je m’assois sur le sofa entourée de livres et j’absorbe les choses que je vois dedans.

Quels vos designs préférés parmi ceux que vous avez vus ?

J’adore le travail de Ian McCaig, quelque soit le projet que vous mentionnerez (hmm, peut-être tous les design qu’il a faits pour Star Wars), Wendling et Iguana Bay 2.0 … et tout ce que fait mon ami Oli !

Quel est votre sujet préféré à dessiner ? Pourquoi ?

Les visages et les formes féminines, car ce sont des choses si belles à dessiner, mais j’aime aussi les mélanges d’humain et animaux, là vous avez des possibilités infinies !

Qu’est-ce qui vous a inspiré à devenir artiste ?

Quand nous étions enfants, mon frère et moi avont eu la chance d’être entourés par toute sorte de livres d’histoires et de comics. Grandir en lisant et en regardant ce que je pourrais atteindre m’a beaucoup inspirée. Je voulais en faire partie, et finalement j’ai eu la chance d’être capable d’apporter ma propre petite contribution.

Quels « trucs » avez-vous appris de la part d’autres artistes avec qui vous avez travaillé ou que vous avez rencontré ?

J’ai appris à respecter mon travail, et aussi que ce manque de confiance en vous n’aide jamais, quelque soit le domaine dans lequel vous travaillez.

Quelle sagesse pourriez-vous nous donner, concernant la vie d’artiste ? Avez-vous des conseils à nous donner ?

Tout d’abord, soyez humble. Les égos abondent dans ce milieu, et sont généralement des obstacles. Mieux vaut les laisser chez soi. Nous avons la chance de travailler dans quelque chose que nous aimons (même si on souffre parfois), donc nous devrions essayer de ne pas perdre notre motivation sur le chemin. Dessiner, dessiner, dessiner … Ne jamais arrêter d’apprendre, et surtout, entourez-vous de bonnes sources documentaires !

Si certaines personnes veulent vous contacter, comment voulez-vous être contactée ?

Mon email: info@carolinacuenca.com
Mon site web: www.carolinacuenca.com

Enfin, avez-vous des art works à vendre (sketchbook, impressions ou autre) pour que les personnes qui aiment votre travail puissent savoir où et quand les acheter ?

Malheureusement je n’ai rien à ventre pour l’instant.

Quelques unes de ses oeuvres :

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MessageSujet: Re: Character Design   30/9/2012, 21:15

merci beaucoup nonono
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MessageSujet: Re: Character Design   5/10/2012, 00:50

Heidi Smith



Parlez moi un peu de vous, de votre vie ? Où êtes-vous allée à l’école, quelles études avez-vous suivies ? Qu’est-ce qui vous a aidé à vous préparer à devenir l’artiste que vous êtes aujourd’hui ?

Ma première inspiration était ma mère : une peintre d'origine Russe. J'ai voulu lui ressembler, j'aimé toutes les peintures et dessins qu'elle fessait. Aussi, à cause de ma maman, j'ai grandi en regardant des vidéos de ballet, particulièrement Casse-noisettes de Carroll Ballard conçu par Maurice Sendak. Je me souviens que j'aimais beaucoup le design de Casse-Noisette, je pense que ça m'a influencé en tant qu'artiste. Cela m'a poussé à m'intéresser aux marionnettes et a l'animation en stop-motion. J'ai obtenu mon diplôme en character animation (animateur de personnages) du programme d'animation à CalArts en 2008, et j'ai vraiment adoré CalArts, mais parfois je me suis senti un peu intimidé car j'ai ressenti comme une pression tacite de se conformer à un style d'industrie. Heureusement mon professeur de dessin et mentor Michael E. Mitchell fut mon sauveur ! Il a été une grande inspiration pour moi, et avait l'habitude de dire: «Suivez votre instinct, parce que vous voulez un directeur qui vous veux pour vous." Il a également dit : «Vous devez porter un casque de football imaginaire pour vous protéger contre ce que font les autres." Je ne pense pas que je serais l'artiste que je suis aujourd'hui sans son influence.

Comment procédez vous pour concevoir, et qu'est ce qui se passe dans votre esprit, du début à la fin?


Quand je dessine, c'est comme si une guerre se déroulée dans ma tête, tant de choses se passent à la fois, tant de choses à considérer. C'est pourquoi j'ai une méthode obsessionnelle du dessin: je dois constamment regarder ailleurs, m'éloigner de ce que je fais. Je pourrais dessiner un peu, puis me distraire avec autre chose, car si je suis trop concentré Je perds ma concentration, tout devient fade, et stagnant si je regarde un dessin trop longtemps. Cette méthode que j'ai, c'est une façon de rajeunir mon cerveau, je reste stimuler, et inspirer de cette façon. Quand je commence par une esquisse, elle doit être rapide, lâche et grossière, je suis assez stricte de ne pas m'astreindre à quoi que ce soit sitôt, parfois, je peux préciser le personnage rapidement avec de simples croquis, a ce stade du dessin c'est le moment qui est le plus émouvant pour moi. Après ce processus crucial, alors je peux commencer à développer le personnage de plus en plus, cela devient plus facile pour moi après cette étape initiale lorsque je suis toujours à la recherche du personnage avec tous mes gribouillages. Quand je fais des œuvres, j'aime travailler avec la pastel et le fusain. Ce processus est très différent de la phase de croquis: je travaille très, très lentement! Je vais commencer par la construction d'une couche avec mon crayon fusain que je aiguiser en une très fine point avec un X-acto. Après que la couche de fusain soit terminé, je vais tamponner une couche de pastel sur le dessus, je dois être très prudent de ne pas mélanger le pastel avec le fusain cependant, il deviendra boueux autrement.


Quels sont les choses sur lesquelles vous avez travaillé ? Sur quels projets travaillez-vous actuellement?


Le premier projet sur lequel j'ai travaillé était ParaNorman. J'ai été diplômé de CalArts en mai 2008, et j'ai commencé à travailler à Laika en Septembre. Certains de mes modèles préférés,que j'ai fait pour ParaNorman, étaient les dessins de fantômes, comme le soldat de la guerre civile monté sur le cheval, le capitaine des mers, et les croquis que j'ai fait pour Bub. J'aime aussi les dessins que j'ai fait pour le père de Norman, Norman, et M. Prenderghast. Le prochain projet, sur lequel j'ai travaillé était un film sans titre de Henry Selick à Cinderbiter. J'étais la character designer pour ces deux projets.
Actuellement, je travaille sur quelques unes de mes propres illustrations.





Qui sont vos artistes préférés ?

Ce qui m'a inspiré à devenir une artiste peut sembler bizarre, et hors sujet, mais c'était le groupe Led Zeppelin! J'ai été vraiment obsédé par eux en grandissant, j'ai lu des livres sur Led Zeppelin, et écouté leur musique en permanence. Leur musique Représenté tout ce que je voulais être comme artiste: C'était divers, différent, brut et puissant.
Personnes a l'époque sonné comme Led Zeppelin, ils ont été les pionniers du rock, et ont ouvert la voie à tous les autres groupes. Tout ce que je pouvais penser était, "je veux faire ça aussi, je veux être comme ça!" La musique joue un rôle important alors que je regroupe mes idées, d'entendre une belle chanson évoque des idées d'histoire, et des personnages dans ma tête, la musique me garde motiver et créative.
Regarder un bon film fera la même chose, j'ai toujours aimé les films de Stanley Kubrick, en particulier "Orange mécanique". J'aime aussi Yuri Norstein,"le Hérisson dans le brouillard» et «le conte des contes." Ces deux films de Norstein sont si chaleureux et merveilleux pour moi, la simplicité des personnages, et l'utilisation de la texture, c'est d'un génie. Richard Williams « Le voleur et le cordonnier » a eu la plus incroyable des animation! J'adore le design des personnages et des décors aussi. En ce qui concerne les artistes , je suis inspirée par Egon Schiele et Gustav Klimt, ils utilisent les proportions d'une manière incroyable, et j'essaie de faire de même dans mes dessins.

Qui étaient les personnes avec qui vous avez travaillé sur PARANORMAN?

J'ai travaillé avec beaucoup de gens extrêmement talentueux à Laika, ce fut une expérience inoubliable. Ce fut incroyable de travailler avec le réalisateur Chris Butler,. Je n'ai jamais manqué de créativité parce qu'il était toujours aussi passionné par ce que je faisait et ce qu'il faisait, et il me poussait de plus en plus a créer en dehors de la norme. J'ai gagné beaucoup de confiance en moi parce que je sentais qu'il croyait autant en ce que je faisais . Je peux aussi dire la même chose pour le sculpteur Kent Melton, j'ai été complètement motivé en regardant tout l'amour et les soins qui allé dans se qu'il sculptait . J'ai vraiment apprécié cette collaboration que j'ai eu avec Kent, en regardant comment une esquisse se transformerait en une sculpture, ce fut merveilleux qu'une personne comme Kent voulais ma contribution, pour connaître ma pensée, afin qu'il puisse vraiment saisir ce que j'ai dessiné sur le papier. J'ai également travaillé avec la costumière Deborah Cook, qui m'a fait faire des esquisses pour les costumes. Ce fut un plaisir de travailler avec elle par ce qu'elle apporterait de référence très intéressante non seulement pour les idées de costumes, mais sur la façon dont pourrait fonctionner les coutures. Par exemple: elle avait trouvé des photos d'écorce d'arbres et voulait que je l'utilise dans la conception des coutures du short de Mitch, le résultat final était vraiment bien! Je n'aurais jamais pensé à concevoir comme ça, sans la référence qu'elle m'a apporté. C'était incroyable de travailler avec les gens de Laika.

Quel conseil pourriez-vous donner aux autres artistes ?Avez-vous des astuces ?


Si j'ai un conseil à donner à d'autres artistes, ce serai de faire ce qu'ils aiment, et faire confiance à leur instinct ! "

Enfin, avez-vous des œuvres en vente (carnet de croquis, gravures, n'importe quoi) pour les personnes qui aime votre travail et savoir où l'acheter?

"The Art and Making of ParaNormam" le livre est actuellement en vente, il comprend une partie de mon art.

De plus, si quelqu'un veut me contacter, il peut aller sur mon blog:
www.hesmith.blogspot.com.

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MessageSujet: Re: Character Design   5/10/2012, 08:43

tu dechire tout merci beaucoup :D
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MessageSujet: Re: Character Design   6/10/2012, 11:39

Bon je m'y met aussi, après un petit moment d'inactivité, reprise des cours oblige :/

MEG PARK ( On en a déjà parler sur le forum donc ce vient un peu en complément ( cf http://www.wearenoob.com/t925-meg-park ) :




Parlez-moi un peu de vous, de votre vie? Où êtes-vous allé à l'école, et quelles classes avez-vous étudié? Qu’est ce qui vous a aidé à vous préparer à devenir l'artiste que vous êtes aujourd'hui?



J'ai grandi à Fife, en Écosse, passant la plupart de mon enfance à dessiner des BDs qui parlait de mes chiens et à faire semblant d'être un chien. A l'école, on m'a souvent réprimander parce que je dessiner des choses alors que je n’étais pas censée le faire, et parce que j’avais une écriture peu soignée En effet, je n'aimais écrire, je voulais raconter des histoires seulement avec des images.

A L’université, j’ai partager mon temps entre etudier l'illustration et l'animation (2 année de chaque). J'ai obtenu mon diplôme du Duncan Jordanstone College of Art & Design à Dundee en 2010, avec un bachelor en animation. Bien que j'ai beaucoup aimé animer ; et que créer mon propre court métrage a été une expérience fantastique, je dirais que je suis une illustratrice dans l’âme (et plus une personne chat maintenant).


Comment allez-vous Créer vos personnages, et qu’est-ce qui se passe dans votre esprit, du début à la fin?


Qu'il s'agisse de concevoir un personnage pour un film d'animation ou pas, je trouve toujours utile de penser comme un animateur. Allez à l’essence même des personnages et comprendre qui ils sont, comment ils se comportent eux-mêmes, quel est leur attitude. Connaître leur passé, ou aller vers quelque chose de court et simple si vous concevez à partir de zéro. Donnez-leur de petites manies qui les font se démarquer, leurs caractères doivent être aussi mémorables que séduisantes.

J'essaie d'explorer autant d'idées que je peux, d'étudier un grand nombre de références, d'exagérer les formes et de continuer à expérimenter jusqu'à ce que l'équilibre soit bon et que tout fonctionne. Je m’efforce toujours de communiquer de la personnalité autant que possible et de l’expression dans chaque dessin, aussi.

Qu'est-ce qu'une journée typique pour vous, et qui sont les personnes avec qui vous travaillez?

Je travaille à plein temps comme illustratrice en interne dans une petite entreprise basée à Edimbourg appelé G2G3, où je peux travailler sur plein de choses différentes en passant de l’infographisme a la création de logos et travailler pour de très gros clients. Pendant mon temps libre, je travaille sur des projets indépendants ou sur des petites choses personnelles pour mon portfolio.



Quelles sont certaines des choses que vous avez travaillé?


En tant que diplômé de l’université en 2012, je n'ai pas encore beaucoup de choses à mon actif , mais j'ai travaillé sur beaucoup de projets Feelance intéressants, y compris des couvertures de livres, desconception de tatouage et des concepts pour des pitchs de Series TV. J'ai également fait le design d’un t-shirt imprimé et vendu sur Threadless.com.


Y a t-il quelques chose que vous ayez fait, et dont vous êtes le plus satisfait?


Comme la plupart des artistes, j'ai tendance à être très critique de mon propre travail et, presque aussitôt après la finalisation quelque chose, je regarde en arrière et j’identifie les choses que je n'aime pas ou que je ferais différemment. Je suis heureuse avec la plupart de mes travaux dans une certaine mesure, mais mon désir constant de m’améliorer et d'apprendre de tout ce que je fais, tend ne pas me faire trop m’attachée à une seule pièce de travail. Je pense que quelque chose n’irait pas bien si j'étais satisfait à 100% avec un design.

Qui sont vos artistes préférés là-bas?



J'aime le travail de Chris Sanders, Joe Moshier, Dice Tsutsumi, Nicolas Marlet, Lou Romano, Glen Keane, Shiyoon Kim, Nate Wragg, Brittney Lee, Tang Heng, Andreas Deja, Shane Prigmore ... Il ya des centaines d'autres artistes que je pourrais rajouter à ma liste, mais je dirais que Milt Kahl a toujours été près du sommet. Il est un animateur et un dessinateur phénoménal, vous ne pouvez pas vous empêcher de tomber amoureuse de chacun de ses dessins et « pencils test ». Son travail est toujours impeccable.


Pourriez-vous nous parler de votre processus de colorisation, ainsi que les types d'outils ou de supports que vous utilisez?



Je n'utilise pas quelque chose de compliqué, juste Photoshop et une tablette Wacom. Mon travail est essentiellement numérique, mais j'essaie toujours d'utiliser des textures et des brushes dans mon travail afin d'imiter l’effet traditionnel. En général, je tiens à garder les choses simples, éviter le surmenage et d’avoir le moins de calques possible. Je trouve que plus le temps que je passe sur une pièce, le rend plus compliqué qu’elle tendait à être.


Quelle partie de la conception est la plus amusant et facile, et qu’est ce qui est le plus difficile?



Un bon design est difficile, mais je pense que la difficulté et la résolution de problèmes est la partie la plus amusante (si ce n'était pas le cas, j’aurai choisi la mauvaise carrière !). Surtout de nos jours où les idées originales semblent difficiles à trouver, avec tout ce qui a été fait auparavant. Je pense que pour surmonter cela, vous avez juste besoin d'essayer autant d'approches différentes que possible, ne pas avoir peur de faire des erreurs et de ne pas se prendre trop au sérieux. Prendre du recul et de revenir à la première silhouette peut se révéler parfois utile si vous êtes coincés. Concevoir devrait toujours être un plaisir et je pense que la confiance est la clé d'un bon dessin.


Quelles sont quelques-unes des choses que vous faites pour vous tenir créatif?



Je suis un grand cercle de Charadesigners, illustrateurs et animateurs sur des plateformes comme Twitter et blogger, qui me permet de me tenir au courant de ce qui se passe dans l'industrie et ce sur quoi les autres travaillent. Garder un flux presque constant des mises à jour et avoir des nouvelles choses à regarder contribue à me maintenir inspiré.

J'aime aussi voyager et visiter de nouveaux endroits, j'ai récemment commencé à barboter dans la photographie aussi.


Quels sont certains de vos modèles préférés que vous avez vus?


Tout, depuis les personnages aux décors et accessoires sont si admirablement conçu dans les films de Kung Fu Panda. En outre, la « Furie Nocturne » de How to Train Your Dragon me vient à l'esprit que l'une de mes créations récentes préférées, le personnage est séduisant à bien des niveaux. Nicolas Marlet est souvent mentionnée ici dans d'autres interviews, et à juste titre, son travail est magnifique!


Quel « sujet» préfère tu dessiner? Et pourquoi?


J'aime les animaux, et j'ai toujours aimé dessiner les animaux (surtout les chats et les chiens!). Il y a juste quelque chose de vraiment amusant avec les fourrures, les pattes, les oreilles et la queue.


Qu'est-ce qui vous a inspiré pour devenir un artiste?


J'ai toujours été plus intéressé par le dessin qu'autre chose. Je pense que je regardais une quantité infinie de dessins animés de Tom et Jerry et de vieux films de Disney comme un vrai enfant, et c’est trouver une vielle copie cabossé de «How to Draw Cartoon Animals» par Christopher Hart dans ma bibliothèque locale qui m'a fait réaliser que je pouvais réellement vivre de cela. Ce n'est pas un livre que je recommande à toute personne de plus de 10 ans, mais il m'a appris les bases nues à un âge très jeune.


Quelles sont quelques-unes des choses intéressantes que vous avez apprises d'autres artistes avec qui vous avez travaillés ou vu?



- Être capable de se détacher de ses travaux. Ne pas avoir un rapport de « préciosité » avec ce que l’on fait, être en mesure de regarder objectivement no travaux et de voir leurs défauts, et de ne jamais avoir peur ou être méprisant des critiques constructives des autres.

- Apprenez à connaître votre sujet dedans et à l’extérieur. Si vous ne comprenez pas entièrement le squelette ou la structure musculaire de la créature que vous essayez de dessiner, vos dessins vont mal paraître. Revenez en arrière et étudier à partir du réel , des vidéos ou des livres (de préférence a partir du réel !).

- Avoir une expérience de tueur dans n'importe quel domaine auquel vous aspirez.. Savoir ce qui est bien, comprendre pourquoi c’est bien, restez plongé dedans et vous continuerai à grandir et apprendre.

Spoiler:
 


Dernière édition par Poonya le 6/10/2012, 11:50, édité 1 fois
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MessageSujet: Re: Character Design   6/10/2012, 11:49

Et je remet l'interview de SERGIO PABLOS que j'avais deja traduit( cf Mon thread sur lui : http://www.wearenoob.com/t894-sergio-pablos-spa-studios) pour qu'il soit aussi dans la bonne section :)



Parlez moi un peu de vous, de votre vie? Où êtes-vous allé à l'école, et quelles classes avez-vous étudié? Ce qui a aidé à vous préparer à devenir l'artiste que vous êtes aujourd'hui?


Voyons voir. Tout d'abord, je tiens à souligner que je pour moi l’animation est une « vocation ». Dans de nombreux cas, la plupart des animateurs avec qui je suis allé à l'école pourrait commenter la façon dont ils n'avaient jamais considéré l'animation comme choix de carrière jusqu'à récemment. Ce n'était pas mon cas. Mes parents m’ont dis que j’avais cinq ans quand j'ai décidé que je voulais travailler dans l’animation. Bien sûr, ils pensaient qu’en grandissant cette idée disparaitrait, mais forcé de constater que je voulais toujours suivre cette voie a l’age de 18 ans, ils ont commencé à prendre cette idée au sérieux. Ils m'ont envoyé à contrecœur Cal Arts. Je dis à regret, parce qu'ils étaient convaincus que l'animation n'était pas le bon choix. Je suppose qu’ils ont pensé que je deviendrais un artiste affamé par la suite. Hé, ils peuvent toujours avoir raison, qui sait?

Cal Arts s'est avéré être le meilleur choix que j'ai jamais fait. Nous avons un large choix aujourd'hui, mais à l'époque il n'y avait pas beaucoup d'écoles qui donnaient une formation adéquate pour l'animation. J'ai vraiment apprécié ma formation là-bas, et c'était la première fois de ma vie que je voulais aller en classe. J’étais fasciné par tous les aspects de l'animation. Je n'ai jamais regardé en arrière.


Comment est ce que vous concevez ? Et ce qui se passe dans votre esprit, du début à la fin?



Comme, j’en suis sûr, vous avez entendu parler la plupart des characters designer, j'ai toujours commencé par le personnage. Jouer avec les formes en s’amusant, mais la conception réelle commence en reflechissant a la psycologie du personnage. J'ai beaucoup de mal a concevoir un personnage quand je commence un dessin sans avoir compris qui est le personnage , quel est son but.

Je vais vous donner un exemple: récemment, j'ai fait quelques dessins de poupées en porcelaine pour un ami, pour être utilisé dans un court métrage d'animation. Il n'a pas précisé de personnalités particulières pour les poupées. En gros, il les voulait juste pour remplir une étagère avec elles. Donc j’ai travaillé dessus, et j'ai vraiment eu du mal a le faire. La raison étant que je jouais juste avec l'aspect physique de la conception, tout ce que j’utilisait était formes, en essayant de mettre du charme dedans. D'une certaine manière, les premiers dessins que j'ai faits étaient pas tout à fait satisfaisants pour moi. Je veux dire, ils étaient techniquement intéressants, oui, mais c'est tout. Puis, sur les deux dernières créations, j'ai essayé de trouver quelque chose à viser. Je savais que le court metrage devait être un peu effrayant, alors j'ai décidé d'essayer quelque chose dans ce sens. Au moment même où je n'étais pas seulement la conception de poupées, mais de poupées effrayantes , les choses sont devenues intéressantes. J’aurai aimé y avoir pensé plus tôt.

Dans tous les cas, vous y arriver. La forme et le charme sont des choses importantes, mais pas autant que le message qu'ils servent.


Qu'est-ce qu'une journée typique pour vous, et qui sont les personnes avec qui vous travaillez?


À l'heure actuelle, et pour les dernières années, je n'ai pas eu une journée typique. Pour faire votre propre société, vous devez être prêt à tout. J'essaie de m'entourer avec d’artistes incroyables, des gens qui ne sont pas spécialisés dans une discipline particulière en animation, mais qui sont assez polyvalents pour passer de la conception au story-board à l'animation pour quoi que ce soit. De cette façon, je peux travailler avec une petite équipe et garder cette ambiance de petit studio que nous aimons tant.

Je fais surtout du développement sur mes propres projets, Supervision de l’animation, conception, traitements et même la masse salariale. Pas toujours amusant, mais il faut prendre les bons et les mauvais cotés.


Quelles sont la plupart des choses sur lesquels vous ayez travaillé?


Je crains que mon experience ne se développe pas trop loin en dehors de l'animation. C'est ma passion, et chaque fois que je vois quelque chose de bien dans un texte par exemple, je ne peux pas m'empêcher de penser: "Hein, je me demande comment cela pourrait se traduire par un film d'animation". Oui, je suis un gros «geek ».

En tant qu'animateur, j’ai pu travailler sur : « A Goofy Movie », « Runaway Brain », « Le Bossu de Notre-Dame » (sur Frollo) et « Hercules » (sur Hadès).
Comme supervisateur de l’animation, j'étais en charge de Tantor (Tarzan), et du Dr Doppler (La planete aux trésor, un nouvel univers).

J'ai aussi pu travailller sur la conception de plusieurs de ces projets. En fait, j'ai aussi fait beaucoup de conception je n'ai pas été crédité pour cela.


Y at-il une conception de personnage que vous avez fait et dont vous êtes le plus fier?


Pas vraiment. Je suis un peu un perfectionniste pathologique, voyez-vous. Par conséquent, il n'y a pas quelque chose que j'ai fait et dont que je ne voudrais pas aujourd’hui revenir en arrière et corriger. Par exemple, Tantor est une bonne conception de personnages, mais j'ai tellement essayé de rester à l'écart des éléphants du livre de la Jungle, que je sens j’ai reussi à arriver à quelque chose de différent, mais pas tout à fait aussi attrayant. Pour Dr Doppler, je n'ai jamais été trop sûr du concept de l'ensemble "chien humanisé ». J’aurai vraiment souhaité qu'il puisse être juste un être humain.

C’est la voie ou vous vous engagez. Etre Jamais complètement heureux.


Quels projets avez-vous fait dans le passé, et sur quoi travaillez-vous en ce moment? (Si vous pouvez nous dire)



Non, je crains que je ne puisse pas vous le dire. Mais je vais vous dire ceci: ils sont tous géniaux. En passant, si vous connaissez quelqu'un qui veut jeter quelques millions par la fenêtre, je serai heureux de lui lancer une de mes idées métrages.

Sérieusement, nous sommes en négociations avec plusieurs projets en ce moment. Donc, je ne veux pas nous porter la poisse en parlant trop tôt. Et oui, Secret Giacomo en fait parti. On Continue de se battre pour obtenir celui-ci.



Pour vous, qui font partis de meilleurs artistes ?



Ils sont nombreux. Je vais mentionner quelques-uns de mes favoris: James Baxter, Glen Keane, Kristoff Serrand, Paul et Gaetan Brizzi, Dean Wellins, Doug Sweetland, Pete Docter, Nicolas Marlet, Sylvain Deboissy. Je pourrais continuer cette liste éternellement.


Pourriez-vous nous parler de votre processus de coloration, ainsi que les types d'outils ou de supports que vous utilisez?


Je crains que vous parlez à un artiste qui utilise exclusivement le crayons de bois. J'ai fais parfois les ombres, puis je les envoye à des gens beaucoup plus talentueux dans le domaine de la couleur. Si je dois montrer un peu de couleur, je vais probablement utiliser de bonnes vieilles Pastels. Pas d'ordinateurs impliqués.


Quelle partie de la conception est plus amusant et facile, et ce qui est le plus dur?



Le plus amusant est d'explorer les choses, d’en essayer differentes, se pousser à faire preuve de créativité. Malheureusement, c'est aussi la plus frustrante. Vous voyez, je suis totalement impliqué dans mon travail, et il peut devenir très absorbant. Je dis toujours que mon travail est fait de 90% de frustration, et de 10% de satisfaction. Il ya toujours ce bref instant quand on regarde le produit fini, et ou l’on se permet d'être fier, après tout ce qu'il a pou fallu pour y arriver. Puis vous entrez dans la prochain travail, et la frustration revient tout de suite.


Quelles sont quelques-unes des choses que vous faites pour vous tenir créatif?




Outre les livres et les musées, je suis passionné de cinéma et tres observateur. Le truc, c'est que ces dernières années, mon rôle a été plus celui d'un conteur que d’un animateur ou d’un character-designer, passant le plus clair de mon temps à venir avec des idées de projets d'animation. J'ai découvert que j'apprends beaucoup plus en regardant de mauvais films plutot que ceux qui sont bons, alors j'essaie de voir tout cela. En fait, je regarde un peu les mauvais films, aussi longtemps qu’il reste VRAIMENT mauvais

Quels sont certaines des meilleurs conceptions de personnages que vous ayez jamais vus ?


Récemment, j'ai été vraiment inspiré par Nicolas Marlet et Sylvain Deboissy. Ces Français connaissent leur metiers.


Qu’est ce que tu prefère faire dans le dessin ? Et pourquoi?


J'aime les personnages légèrement caricaturaux. Je n'ai rien contre le réalisme, mais je me dis c'est un plaisir beaucoup plus grand quand vous pouvez prendre les traits de quelqu'un, et les interpréter avec exagération. Rien de sauvage, mais juste assez pour attirer l'attention vers les choses importantes.


Qu'est-ce qui t’as a inspiré pour devenir un artiste?


TOUT.


Quelles sont quelques-unes des choses intéressantes que vous avez appris par d'autres artistes que vous avez travaillé ou vu?


De James Baxter, j'ai appris des tonnes de trucs techniques. Ca m’a toujours étonné de voir combien il est capable de garder la trace de charme, le jeu des acteurs, le caractère, et également d’envelopper le tout avec une finition impeccable en termes techniques.

De Glen Keane, j'ai appris à travailler avec le cœur. J’ai toujours été étonné de le voir travailler, pour voir il est impliquées, une fois l’affaire en main. Une fois, j'ai été le voir travailler sur « Long John Silver », et il a été intense. Il pensait "Grand gars, personnalité forte et écrasante», et vous pouviez vle voir à son visage. La seule chose qui a fais casser sa concentration c'est quand il s'est rendu compte qu'il dessinait trop grand, et que le papier n'était pas assez grand pour contenir son idée. Il a fait un commentaire sur la façon dont ca lui arriver toujours quand il animait un «grand» personnage. J'ai toujours pensé que la façon dont il a été si facile pour lui d’oublier les restrictions du papier parce qu'il était impliqué a mettre son idée sur le papier.


Quels sont certains de vos site WEB préférés?


Les mêmes que tout le monde. Je crains ne pas connaitre de trésors cachés.

Quelle conseil pourriez-vous nous donner, sur la facon de devenir et d’etre un artiste? Avez-vous des conseils que vous pourriez donner?

Assurez-vous que vous vous remettez toujours en question dans ce que vous faites. Ne pensez jamais que vous allez arriver à un point où vous savez tout, arriver au moment ou vous croyez que c’est le moment de cessez toute évolution !
Regardez de nouveau le travail que vous avez fait il y a quelques années. Si vous pensez que ça craint, alors soyez heureux, car cela signifie que vous avez évolué. Si vous pensez que c'est en fait assez bon, INQUIETEZ VOUS!

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MessageSujet: Re: Character Design   6/10/2012, 15:34

ouah merci beaucoup pour cette megaupdate :D
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benj
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MessageSujet: Re: Character Design   7/10/2012, 17:42

nonono merci pour tout =)
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julesR
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MessageSujet: Re: Character Design   7/10/2012, 19:00

holala génial Merci !!
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MessageSujet: Re: Character Design   7/10/2012, 21:27

Merci pour ces trads!

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arina
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MessageSujet: Re: Character Design   13/12/2012, 13:33

Comment je suis passée à côté de ce thread... Shocked

Merci beaucoup pour les trad !!
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MessageSujet: Re: Character Design   18/1/2013, 14:26

Je poste une petite question qui me trotte à propos du chara design
Des gros bill du design du genre Carter Goodirch, Micolas Marlet, Echiro Oda, ou même Leo Matsuda au-delà de toutes leurs autres qualitées font des designs à silhouette hyper identifiable, ou plus précisément c'est rempli de formes géométriques très simples et très identidiables qui composent leur design. Ils s'en foutent des plis ou bien de faire un mega volume ou mega posing (bon après tout dépends de leur profil mais sa reste secondaire j'ai l'impression). Sa fais parti des composantes d'un bon design d'avoir des formes mega simples et de l'avoir en ordre de priorité number one comme les gars que j'ai cité ou bien c'est simplement leur propre approche ? (ou bien j'ai loupé un truc en matière de design ?)

Genre le design d'un perso en lui-même peut se résumer en une forme hyper simple, qui est rempli d'autre formes elles aussi très simples, ex :

Spoiler:
 

C'est sa qu'il faut viser absolument ? (avec les jeux de proportions et autres trucs expliqués dans le tuto à melody pour le design)?
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MessageSujet: Re: Character Design   18/1/2013, 17:50

oui c'est ce qui fait un bon design, on doit le reconnaitre rien qu'en silhouette je l'ai dit un peu partout sur le forum


(le mechant de ratatouille = silhouette cercueil etc)


apres selon les style c atenué bien sur tout le monde ne veut pas faire de cartoon abusé genre dans les mangasses du moins certains les proportions demeurent relativement realistes genre evangelion


ce que je veux dire c que le jeu des proportions n'estpas obligatoirement ultra abus ça peut etre subtil mais c TOUJOURS la priorité





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